Rainer Werner Fassbinder, el gran director de televisión y cine alemán, en un nuevo aniversario de su nacimiento

Era hijo de un médico militar y de una traductora, que se separaron cuando Rainer tenía seis años. Se quedó con la madre (que colaboraría en algunas películas), y vivió protegido a veces por su abuela. Normalmente en sus filmes no aparece la figura paterna, y muchos de los argumentos son trasposiciones de sucesos y afectos personales (incluyendo a sus actores).

Empezó con El amor es más frío que la muerte, presentado en el Festival de Berlín, y con Katzelmacher, ambos de 1969. Katzelmacher, que obtuvo el premio de la crítica internacional era una pieza teatral del propio Fassbinder, que había representado en el Antitheater de Múnich, teatro de vanguardia dirigido por él. El film era vitalista y de estilo indirecto y muy expresivo, sin afán por ser coherente.

Pero la influencia del melodrama estadounidense en Fassbinder irrumpe pronto, a partir de 1971, cuando vio una serie de films de Douglas Sirk en una retrospectiva, y decidió ir a conocerlo personalmente a su casa de Lugano (Suiza). Las películas de Sirk, y las charlas con él, le hicieron buscar un cine más popular, a salir a buscar al público, dejando atrás su primera etapa más artística (influenciada por la Nouvelle Vague, a la que reconoce en los genéricos de su primer film). Su propósito desde ese momento fue crear unas películas "como las de Hollywood, pero sin la hipocresía". Con el modelo de Douglas Sirk en mente, buscó la manera de comunicarse con la audiencia sin trucos sentimentalistas, rechazando la empatía natural del espectador, y presentando las historias de la manera más fría, intelectualizada y distanciada.

Esta intención dio lugar a un estilo de filmar atrevido y moderno (tan moderno como el de sus primeras películas, pero con otra actitud). La presencia de la cámara se hace casi visible al espectador, por los ángulos, los movimientos y los planos que hace, consiguiendo así una anti-naturalidad que pretende distanciar al espectador y obligarle a juzgar las historias sin manipulaciones sentimentales. Su primer "melodrama distanciado" fue Las amargas lágrimas de Petra von Kant (1972), primer éxito internacional de Rainer.

Retrato de la Alemania 1969-1982

Su prolífica carrera (más de 40 películas en menos de 15 años) le permitió hacer un repaso exhaustivo de Alemania. Su historia, su sociedad, su cultura, su geografía, y el malestar del tiempo en el que él vivió, y por la violencia de relaciones con la que convivió. Fassbinder filmó por todo el país, situando sus historias en Baviera, Baden, Fráncfort, Coburgo, Berlín. Muchos críticos señalan que las películas de Fassbinder son indispensables para entender la Alemania de hoy, con su insolidario afán de dominio económico.

Fassbinder retrató todas las clases sociales: la burguesía en Ruleta china, los comerciantes en El mercader de las cuatro estaciones, el proletariado sobre todo en Viaje a la felicidad de Mamá Küsters, el lumpen en El amor es más frío que la muerte, la patronal en La tercera generación, los intelectuales en El asado de Satán, los periodistas en La ansiedad de Veronika Voss, los artistas en Lili Marlene, los inmigrantes en Katzelmacher. De ahí que haya sido llamado el Balzac del cine alemán.

Llevó al cine obras capitales de la literatura alemana como Effi Brest (1894) de Theodor Fontane (quizás el más importante escritor alemán del siglo XIX, cuya novela se considera la Madame Bovary alemana), o Berlin Alexanderplatz (1929) de Alfred Döblin (que retrata la crisis social y moral de la Alemania pre-Nazi), así como una dramatización de una revuelta de campesinos del siglo XV (Viaje a Niklashauser).

Realizó una trilogía sobre la República Federal de la posguerra, la "era Adenauer": Lola, El matrimonio de Maria Braun y La ansiedad de Veronika Voss (que puede verse eal final de esta nota). También retrató el nacimiento del Nazismo en Desesperación, así como su auge y caída en Lili Marleen.

Además, retrató los asuntos sociales de más actualidad en su época, como el terrorismo de extrema izquierda del Rote Armee Fraktion, en su película La tercera generación. También participó en el film colectivo Alemania en Otoño junto con otros directores de izquierdas, para dar su punto de vista sobre los acontecimientos de 1978, tras las muertes de tres miembros del RAF en la cárcel, y la radicalización del gobierno alemán en temas de seguridad.

Estilo

El estilo de Fassbinder es muy variado (clásico, barroco, realista, alegórico, expresionista, distante, moderno), no sólo considerando el conjunto de su filmografía sino también cada película en particular. A menudo se habla de Fassbinder como un gran director de escena, ya que cada plano estaba minuciosamente diseñado para provocar un fuerte impacto estético en la pantalla, ya fuera por su sobriedad o por sus retorcidas virguerías técnicas. En sus primeras películas abundan los planos lentos, muchas veces estáticos, e incluso repetitivos. Ver Katzelmacher (1969), por ejemplo, y compararla con Martha (1973).

Su estrecha colaboración con el cámara Michael Ballhaus le permitió llevar a cabo todo tipo de audaces giros, consiguiendo en alguna película verdaderos atrevimientos técnicos, como en Ruleta china (1976). Ambos ensayaron por primera vez, en Martha (1973), el giro completo de 360 grados, que se ha convertido en el sello personal de Ballhaus en su posterior carrera en Hollywood a las órdenes de directores como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola o Paul Newman entre otros.

Pero el atrevimiento estético y técnico nunca fueron meros ejercicios de estilo. Siempre estuvieron detrás de un programa estético y ético que Fassbinder heredó de los maestros del melodrama de Hollywood, como Raoul Walsh, de quien tomaba su apellido siempre como pseudónimo (Franz Walsh), o Douglas Sirk, al que conoció personalmente, lo que cambió su manera de hacer cine, y con el que colaboró como actor en su último film, el cortometraje Bourbon Street Blues (1978).

Al marcharse Michael Ballhaus a Hollywood, Fassbinder trabajó con Xaver Scharzemberger, con quién rodó películas tan importantes como La ansiedad de Veronika Voss, Lola o la mítica adaptación televisiva de Berlin Alexanderplatz, la novela de Alfred Döblin.

En sus últimas películas su estilo se complicó aún más, dando obras sus más difíciles y distanciadas del espectador como La tercera generación, Un año con 13 lunas (ambas filmadas por él mismo) o Querelle, aparecida póstumamente. Fassbinder murió a los 37 años, tras un fallo cardíaco, al parecer resultado de la interacción entre somníferos y cocaína. Su muerte en 1982 supuso cierto fin del Nuevo Cine Alemán.

Temas

Más allá del cine de mujeres

La soledad, el miedo, la desesperación, la angustia, la búsqueda de la propia identidad y la aniquilación del individuo por los convencionalismos, el amor no correspondido, la felicidad soñada y el deseo tortuoso, la explotación de los sentimientos y su comparación a una mera transacción comercial, las pasiones íntimas como forma de retratar una época (la de la Alemania de los setenta que aún arrastra las consecuencias de la posguerra, "de la democracia que recibió como regalo") y dar testimonio de sus grietas económicas, políticas, morales y sexuales, son los grandes temas del cine de Fassbinder, en el que casi siempre tendrá un protagonismo esencial la mujer, figura que le servirá de excusa para poner de manifiesto los mecanismos opresivos que se dan en la relación de pareja, para plantear diversas fórmulas de emancipación femenina, y para representar a la mismísima nación alemana en sus films sobre la era Adenauer a través de tres heroínas "que pugnan por sobrevivir a los estragos del pasado": Maria Braun (interpretada por Hanna Schygulla), Lola (interpretada por Barbara Sukowa) y Veronika Voss (interpretada por Rosel Zech).

En su filmografía, llena de personajes femeninos inolvidables, hay que destacar algunas actrices con las que trabajó intensamente, como Hanna Schygulla, Margit Carstensen, Ingrid Caven o Irm Hermann, con algunas de cuales tuvo relaciones amorosas. Todas ellas de su misma generación, formaron parte de su equipo desde el principio, pero también trabajó con actrices mayores como Brigitte Mira, una actriz y cantante de mediana edad que él reivindicó dándole papeles protagonistas en Todos nos llamamos Alí (1973) y Viaje a la felicidad de Mamá Küsters (1975).

Cine gay

Aunque Fassbinder, que estuvo casado dos veces y tuvo relaciones con amigos de ambos sexos (con cuatro hombres, muy tormentosas,4 nunca trató de hacer un "cine gay" en el que se tratara lo gay como una problemática. Pero en casi todas sus películas aparecen personajes homosexuales y, como él mismo dijo, "siempre puede notarse una sensibilidad gay en todas mis películas", propia de su personalidad. Además, algunas películas suyas tienen como protagonista un personaje homosexual, como Las amargas lágrimas de Petra von Kant, La ley del más fuerte o Querelle, basada en la novela de Jean Genet, Querelle de Brest (1947).

El doble (Doppelgänger)

Un motivo que se repite constantemente a lo largo de su filmografía es el tema del desdoblamiento de la personalidad. Sus películas están llenas de espejos, de personajes que sufren crisis de identidad, de confusiones y trampas. El propio Fassbinder creía que para ser un artista debía doblarse a sí mismo, vivir dos vidas en una, y quizá eso explica su increíble productividad.

Las dos novelas no alemanas que adaptó para el cine tratan ese tema:

- En Desesperación el protagonista cree que ha encontrado la solución a su crisis existencial al conocer a su doble, y planea sustituirlo, para ser esa otra persona y romper de una vez con su existencia.

- En Querelle de Genet los dos hermanos que se reencuentran provocan la confusión en los demás e incluso la suya propia.

Presencia de la música

El particular tratamiento del sonido en sus películas ayudó a Fassbinder a conseguir su deseado "distanciamiento dramático". Jugaba con el doblaje (a veces haciendo que los actores no se doblaran a sí mismos, sino a otro personaje de la historia), con la banda sonora (modificando la relación real de los ruidos respecto al espacio o el tiempo), y con la música que incluía en sus films.

Aunque contó siempre con la colaboración del músico Peer Raben, con el que compuso como letrista varias canciones que grabarían Hanna Schygulla o Ingrid Caven, también elegía con mucho cuidado para sus películas temas musicales ajenos, desde música clásica a canciones pop, ya que era un gran aficionado.

En algunas películas se pueden oír canciones de Leonard Cohen, Kraftwerk o The Walker Brothers, normalmente porque el personaje decide escuchar esa música. Ejemplos son cuando Margit Carstensen escucha para calmar su fragilidad mental Bird on the wire de Leonard Cohen en Miedo al miedo, o se pone una y otra vez In my room de los Walker Brothers. En Las amargas lágrimas... se escuchan discos con Smoke gets in your eyes y The great pretender de The Platters. En la Ruleta china la niña y su niñera escuchan y bailan Radioactivität de Kraftwerk. Finalmente, en Un año de 13 lunas la protagonista llora en un salón de juegos recreativos en el que se mezclan el sonido de los juegos y A song for Europe de Roxy Music.

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